El cuerpo, el género y la cuarentena se cruzan en foco en las muestras fotográficas que signaron la reapertura del museo Dionisi: “Corpus. Ensayo/s sobre el cuerpo”, de Alejandra Beltrán; “Signos yuxtapuestos”, de Patricia Molaioli; “Contacto”, de Nadia Cejas, y “Brota”, de Laura Molinero fueron seleccionadas en convocatoria abierta bajo los ejes respectivos de “Género y diversidad”, “Retrato en blanco y negro” y “Pandemia”.
Antes que afincarse en cada apartado y sala, las exhibiciones comparten un recorrido común que las hilvana, sea por recursos para problematizar identidades, explorar límites, exponer subjetividades o trazar poéticas.
Así, las fotos secuenciales de Beltrán ligadas a la moda femenina, al vestirse y desvestirse, hallan eco en los retratos despojados que saca Molaioli de su hija yuxtapuestos con símbolos diversos. Con curaduría de Alicia Cáceres, “Corpus” muestra a Beltrán rasurándose, probándose una prenda colorida en poses elocuentes (encorvada, semisentada, contorsionada, en reposo), maquillándose y pintándose e invocando un aura inmaterial entre mutaciones estéticas y roles modélicos.
“A través de las imágenes, exploro la naturalización de categorías predeterminadas socialmente sobre los cuerpos y, a la vez, llevo adelante un proceso de experimentación continuo en el que genero acciones disruptivas o pequeños actos, como me gusta llamarlos, en los que propongo otras formas de mostrarme/nos. En este proceso experimental, me encuentro con posturas, formas, actitudes, prácticas que en la construcción de mi subjetividad son atribuidas a los cuerpos de las mujeres”, dice la artista.
Y completa: “En esos ensayos comienzo a desarmar y a rearmar piezas corporales, registrar acciones en las que intervienen elementos y patrones asociados a nuestras prácticas y colocándolos en lugares nuevos, instalando el deseo como posibilidad de configuración de nuestros cuerpos. En la vestimenta entran en juego muchos condicionantes: el género, la pertenencia a determinado sector o grupo social, la edad, la moda, el tipo de trabajo. Pero ante todo, vestirse tanto como desvestirse suponen juicios de moral, vestirse es determinarse o ser determinadx, desde pequeñxs. Uno de los vestidos se lo sustraje a mi madre, le perteneció y lo vistió en algún momento. Entonces, además de que tiene un valor emotivo, funciona como metáfora de representaciones y mandatos que me envuelven y que, al mismo tiempo, intento quitarme”.
En gesto inverso, Molaioli registra a su hija Giuliana Brarda en planos cercanos y expresiones cambiantes (calma, confianza, fragilidad, sorpresa), cubierta y descubierta por palabras, una arroba, números y sopas de letras que citan una y otra vez los encuentros y las discrepancias entre imagen y texto.
“Los retratos de mi hija son una constante, ya que trabajamos juntas. El trabajo fue realizado en cuarentena, al estar confinadas la única posibilidad era retratarla a ella, y además fue una elección para que las series mostraran diversas facetas de una misma mirada”, cuenta la fotógrafa, arquitecta, diseñadora y docente cordobesa.
Y amplía: “Soy de las personas que creen que una imagen vale más que mil palabras y no necesitan ir acompañadas de textos; ese fue el comentario que le hice a Giuliana, y ella me dio su mirada opuesta. Así empezó una investigación bibliográfica y una propuesta a ‘jugar’ con imágenes que expresaran el concepto. Nos pusimos a pensar en cómo transmitir esta idea a través de retratos en blanco y negro. Desenfoques, bokehs marcados, juegos de luces y sombras, fondos despojados y limpios, gestos, caracteres nítidos o borrosos, puntos de vista diversos forman parte de los conceptos compositivos y técnicos que utilizamos”.
Rituales cotidianos
La pandemia dejó su rastro con ánimo temático en las otras dos muestras del museo. Documentos sociales al borde de la difuminación, las fotos de “Contacto” sugieren espectros de aviones, explosiones, manifestaciones, policías, hombres con escafandras, cohetes que se lanzan al cielo, alcohol expulsado al aire… Las noticias desvanecidas, saturadas, marcadas, pixeladas extienden su punto cero de comunicación en un cuarto oscuro alumbrado por una escueta luz roja con obras renuentes al escrutinio o un televisor que emite su amnésico ruido blanco contra una pared. ¿Cuál fue el propósito de esa ambivalencia en una época que le teme al “contacto”?
“En el período de aislamiento, percibí cómo paulatinamente las fotografías y las representaciones de la realidad que me llegaban a través de los medios comenzaban a naturalizarse –señala Cejas–. Conjuntamente con esta sensación de anestesia que comenzaba a experimentar, me puse a reflexionar sobre nuestra percepción, adaptabilidad y fragilidad en un contexto que, además de temblar en términos de supervivencia, reforzaba la sensación de habitar un espacio similar a la caverna de Platón. El contacto con la realidad me era dado sólo a través de imágenes ajenas”.
Y esclarece el proceso: “Fui seleccionando las imágenes en el día a día, a partir de noticias que me llegaban a través de un monitor. Luego adherí a él hojas de papel fotográfico, dejándolo emulsionar con la imagen luz de pantalla. Sentí al papel fotográfico vivo como el mejor recurso para transmitirle, hacerle sentir las imágenes, volver a la fotografía contra sí misma. Un cuerpo que reacciona, emulsiona y naturalmente tiende a disolver lo que contiene. Eso que queda es una huella, un rastro, una disolución, una bruma. La percepción de la ‘realidad’ se asemejaba a ello”.
En “Brota” –curaduría de Paola Spalletti– esa sensibilidad se vuelve del doméstico lado de adentro, en guías telefónicas intervenidas con azul e hilos plateados, una instantánea de madre e hija, vajillas y barbijos, videos en los que emergen matrices vegetales acopladas con algún que otro patrón geométrico. Molinero: “Transité un proceso largo y minucioso, escuché sonidos, silencios, bosquejé el tema y extraje distintas técnicas hasta llegar al cianotipo y la transferencia. Busqué el lado amable de la pandemia, el sutil, el que nos hería menos y no nos afectaba”, reconoce.
Y concluye: “La naturaleza es vida, tengo un vínculo fuerte con ella. La pandemia me aleja de rituales como caminar descalza sobre la tierra, escuchar el sonido de los pájaros, el contacto con los árboles, entonces utilizo mi sensibilidad volcando mi naturaleza interna en el arte. En mi acto creativo el azul es origen, cosmos, profundidad, serenidad y calma, es el color con el que vibro más alto. Moviéndome desde mi inspiración busqué cotidianidad en lugares comunes, en diálogo interior los objetos que me rodeaban fueron formando su naturaleza como objetos de arte”.
Para ver
Las muestras pueden visitarse en museo Dionisi (Yrigoyen 611) hasta mayo, de martes a viernes, de 10 a 19. Se requiere uso de barbijo durante toda la visita, mantener distanciamiento social y permanecer, como máximo, una hora en el museo. Entradas en www.autoentrada.com.
