Lucas Di Pascuale ha contado que su formación se fue dando por contagio con otros artistas. Mediante el roce. Ese tipo de intercambio viene siendo un hacer en común cada vez más frecuente en el campo del arte, pero en su caso tiene el espesor y la riqueza que le otorgan años y años de practicar ese anhelo de dejarse afectar.
Se podría decir que su originalidad se da, aunque pudiera resultar contradictorio o incoherente, a partir de la renuncia a la ambición de producir algo original, único. Una renuncia, incluso, al objetivo de tener “una” imagen o un estilo. Cierta idea de genio y las connotaciones egocéntricas que lo alimentan son continuamente derribadas en su manera de asimilar y dejarse atrapar por lo que hacen otros artistas y creadores de diversos ámbitos de la cultura.
Un ejemplo entre muchos de esa polinización es su proyecto Colecciones, que en 2014 se publicó como un diccionario en dos tomos (Ali/Lai, Lau/Zip, Ediciones DocumentA/Escénicas) que reúnen alrededor de 500 dibujos, copias de obras (pinturas, esculturas, dibujos, instalaciones, fotografías) tomadas de libros consultados en distintas bibliotecas. Copiarse de los otros no como una táctica de apropiación, sino para mostrar los hilos que se tejen y el modo sutil de disolverse y volverse a armar.
“Los colores de los días”, que se presenta en la galería y fundación El Gran Vidrio (Humberto Primo 497), es un viaje por su producción de distintos años. En el contexto de pandemia, el artista trabajó en un intercambio permanente de cartas de puño y letra y en un bombardeo cruzado de imágenes con la curadora de la muestra, Eugenia González Mussano, dejándose impregnar y activando una vez más la dinámica de la confianza y de la entrega. Un ejercicio de desautorización de la mirada que reina sola sobre la producción propia, como si el artista fuera dueño o patrón de lo que hace.
Es como si todo el tiempo Lucas Di Pascuale estuviera diciendo que está hecho de otros.
Shock y detalle
Hay muchísimos dibujos, papeles, telas, carteles, escrituras, obras muy pequeñas, prácticamente miniaturas, y trabajos a gran escala, organizados en galaxias comunicadas por el parentesco cromático (obras en las gamas del negro, el azul, el verde, el rojo) que ocupan todo un sector del espacio. La cantidad de obra genera en primera instancia un efecto de aluvión, un shock de imágenes, incrementado por la altura hasta la que trepa el diseño expositivo.
Después de ese impacto visual, cualquier espectador podría pasarse horas asomándose a cada ventana de este aleph multicolor, reconociendo momentos como el proyecto Retrato libros a pedido o los numerosos cruces con la práctica editorial que constituye una veta madre en el artista.
La perspectiva es distinta si se mira desde abajo, ya que el friso de imágenes se estira muchos metros, hasta rozar el techo, o si se accede a la pasarela de la galería, donde se recupera la visión a la altura de los ojos pero las obras se distancian de la posibilidad de un cara a cara. Es como si se sugiriera que no hay una sola manera de mirar arte.
Tampoco hay un tema, sino una miscelánea de motivos, una especie de bitácora estallada en cientos de fragmentos y mundos abigarrados que se despliegan atrapando momentos de una vida interpelada sin énfasis. “Frágil” (y) “monumental” fue el hallazgo casi por la vía del oxímoron del escritor Sebastián Maturano en un texto sobre la muestra, que capta el vaivén entre el tamaño de las obras, los materiales (algunos muy “sencillos”, como lápices y biromes de colores), los soportes (papeles sin enmarcar, hojas de cuadernos), y la escala grandiosa de las imágenes trepando hasta el techo.
Una vivencia inusual
La muestra posee tres ejes basados en pinturas muy famosas del artista ruso Kasimir Malevich (1878-1935), creador del suprematismo: Círculo negro (1924), Cruz negra (1915) y Cuadrado negro (1915).
En cada segmento acontecen diferentes decisiones conceptuales, aunque no es obligatoria la tutela del dispositivo previsto o insinuado como guía, ya que la muestra se puede experimentar entrando por distintos lugares y moviéndose con absoluta libertad en una propuesta que se sale del molde y otorga una vivencia inusual.
Un enorme círculo de tela negra propone otro vínculo con lo que está expuesto. Se puede recorrer desde fuera, pero también se invita a quitarse las zapatillas, acostarse boca arriba y hacer silencio o bien entrar al perímetro donde se ubican cuadernos, libretas con anotaciones, carpetas repletas de dibujos. Hay que sentarse o arrodillarse sobre unos almohadones que llaman a detenerse.
Una serie de retratos, rostros monocromáticos enormes agrupados en un libro gigante, implica la interacción de por lo menos dos personas para poder pasar las hojas de papel que, por su tamaño, resultan indómitas si uno quisiera manipularlas solo. Otra manera de contagiar la idea de hacer con alguien más. Hay que pedir ayuda o colaboración para poder mirar.
En el texto curatorial, Eugenia González Mussano revela el objetivo de “acompañar a Lucas Di Pascuale en la construcción de este espacio para que sus trabajos se vean, se disfruten, se toquen, nos seduzcan, y para que sucedan muchas otras cosas como encontrarnos a charlar, dibujar o leer una carta en voz alta que nunca será entregada”.
La muestra es un llamado al acto de participar, precisa la artista y curadora.
En el marco de la exposición sucedió una ronda epistolar (lectura colectiva de cartas enviadas, recibidas, en proceso, desestimadas, encontradas, inventadas), y está prevista una “Merienda de dibujo”.
Además de esas actividades que procuran generar formas de encuentro, la muestra incorpora otra instancia, denominada “Espacio disponible”. El círculo negro es destinado a personas o grupos que lo requieran para producir algún tipo de cruce o actividad de cualquier índole. Para solicitar el espacio se puede escribir al mail: desarrollo@elgranvidrio.com.
En “Los colores de los días”, la idea de hacer contacto se experimenta en cada rincón.
Para ver
“Los colores de los días” se podrá visitar en El Gran Vidrio (Humberto Primo 497) hasta el 11 de junio. De lunes a viernes de 11 a 16.30, entrada libre y gratuita (con cita previa). El viernes 7 de mayo la muestra estará habilitada de 17 a 21, sin requisito de reservar horario de visita, con presencia del artista. Teléfonos: 351 6797231 / 351 6338334. Mail: info@elgranvidrio.com. Para solicitar el “Espacio disponible” se puede escribir a: desarrollo@elgranvidrio.com.
