Un día en la vida de la artista Vanesa Amenábar podría resumirse en que, esté haciendo lo que esté haciendo, ella permanece con mirada reflexiva, una sonrisa constante y con la cartera a mano de la que saca una tijera y empieza frenética pero cadenciosamente a cortar papel.
Puede seguir perfectamente una conversación sin levantar la vista de la hoja de papel, siguiendo el ritmo minucioso y rapidísimo de la tijera.
Incluso es capaz de mirar a los ojos a su interlocutor y seguir cortando en finísimas filigranas papeles de diferentes formas, gramaje o color.
Esta habilidad singular forma parte de una historia de vida que se terminó resignificando a través del arte. A medio camino entre lo textil y las artes plásticas, la trama que logra con el papel horadado, cortado, moldeado, vaciado, contorneado y también dejado al azar de la propia forma natural que quiere adoptar, las obras de Vanesa tienen una cualidad: la necesidad de cercanía.
Porque de lejos parecen plumajes extraños cuya composición fluctúa entre lo natural y lo decorativo. Basta acercarse a sus obras para observar la lúdica intervención sobre papeles que al ser cortados en finísimos flecos fluctúan a merced de formas naturales, como si el papel empezara a tomar decisiones y hablar un lenguaje particular, más cerca de la naturaleza pero aún en diálogo con la cultura que lo interviene.
Esa simbiosis singular es un desarrollo propio y un camino que Vanesa Amenábar construyó en soledad, asociando diversas habilidades de su vida: desde la digitación del piano a la decoración de vidrieras, de la herencia familiar de sastres y modistas a las funciones de madre, de la administración de empresas a la necesidad de canalizar las obsesiones dictadas por su analista, todo se juega en la concepción de las obras en papel de Vanesa.
-Tus obras llaman la atención porque confunden con el material del que están hechas...
-Yo trabajo con papeles que tienen un contenido de algodón que le da otra textura. Son papeles especiales, de color, más allá de que puedo armar una obra con cualquier papel. Genero las formas y el papel pasa a tener como un lenguaje. Un papel que está desflecado genera esa textura que parece lana o pluma, como que muta a otro material. Ha sucedido en muestras algo que fue muy impactante para mí, que dijeran “¡Pobres animales!”. Eso me preocupó, por eso en las muestras me quedo al lado de mi obra para contar cómo se genera esa textura, que tiene el aspecto de pluma, pero no ando cazando ñandués por ahí.
-¿Como llegaste a esta técnica?
-Soy artista autodidacta, que me sigo formando porque vengo de otra profesión. Soy licenciada en administración, pero estuve siempre vinculada con lo manual. Dentro de la técnica la fuerza es lo manual. Además, hice el profesorado de piano de chica, que requiere mucho trabajo con las manos, mucha digitación. La técnica que hago es el paper cut que es calado con bisturí quirúrgico y luego cortar con una tijera, pero el corte no es la obra en sí. La pieza la obtengo del calado y luego hago cortes con la tijera y la composición empieza cuando la empiezo a intervenir y le doy forma juntando y bordando.
-Eso parece más vinculado a una técnica textil.
-De hecho, cuando he aplicado a los salones he quedado seleccionada en textil artesanal. Y como el papel tiene algodón está considerado textil. Mi lugar en el arte es medio raro, no pinto, no dibujo, quedo en otra sintonía y ambiente.
-¿Cómo nace tu obra?
-Después de ser madre quise reinsertarme en el mundo del trabajo y empecé a hacer vidrieras y fotografía en papel. Empecé con ambientaciones incorporando el papel y empecé a explorarlo, muy doméstico, no tenía una cartera de clientes como para salir a hacer ambientaciones prometiendo que iba a quedar genial. Un día fuimos a la panadería con mi hijo Martín que tenía 4 años y le dijo al dueño “Mi mamá es la mejor haciendo papel” y le ofrecí que él ponga el espacio y yo los materiales y mano de obra. Después llegaron propuestas para hacer ambientaciones para Benito Fernández en un shopping, para Reebok y varias firmas.
-¿Fuiste variando la técnica?
-Fui probando varias cosas. Empecé con el calado con bisturí, pero no me quedé ahí sino que fui observando el comportamiento del papel, por eso digo que el papel tiene su lenguaje. Mientras iba conectando con el papel veía los gramajes, los colores, lo que pasaba mientras los iba moldeando cuando quería que quedaran de una forma y quedaban de otra. Tratando de entender lo que pasa si sigo este movimiento que el papel me muestra. Fue explorar con la tijera, descubrir, probar, investigar y ver la superposición de piezas, el volumen, lo visual. Cada papel dice cosas distintas. Mi obra tiene varios procesos: primero sacar la pieza, después intervenirla, después moldearla y después encontrarle una forma.
-En tus últimas obras hay algo muy emocionante con lo latinoamericano.
-Al observar que la gente decía de mi obra que eran plumas, empecé a investigar los penachos y mi primera obra fue el de Moctezuma, y además incorporé monedas argentinas y lana de llama. Mi abuelo era sastre y mi abuela y madre eran modistas, cuando me recibí hice un proyecto de diseño de ropa para chicos, o sea que lo textil estaba en mí, aunque no desarrollado. Siempre creo que hay algo que aflora y que tenemos la posibilidad de resignificar.
-Es como que conjugaste todas las cosas que hiciste en tu vida.
-Todos tenemos una historia. Mi parte es pensar, darle otra mirada, otro valor, otra presencia y carga simbólica. Hay un juego ahí en el haber encontrado un nuevo trabajo que de algún modo me lo construí. Es como un proceso raro el devenir artista, porque no se sabe de qué depende: ¿de lo que uno cree, de la mirada del otro, de la gente, del respaldo institucional, del galerista que te acompaña y pone la cara por tu obra? El trabajo del artista es muy solitario y es muy importante saber construir alianzas y redes para que todo funcione.
Para ver “Umbrales”
De martes a domingos en Centro de Arte Contemporáneo Chateau. También en el hall del Holliday Inn, curaduría de Sasha Art Gallery.
