Es una jornada agotadora para Luis Ortega (1980) en el hotel Four Seasons porteño, donde se encuentra dando notas por El jockey, su nueva película que llega esta semana a cines, anunciada al mismo tiempo como la seleccionada para representar a la Argentina en los Oscar y en los Goya. El filme, que también compite actualmente en la sección Horizontes Latinos del festival de San Sebastián y tuvo su primera presentación en Venecia, es a la vez un nuevo y fantástico salto al vacío tras el fenómeno de El ángel (2018) y una recapitulación del poco difundido cine anterior de Ortega. De hecho, aquí el realizador vuelve a trabajar con Nahuel Pérez Biscayart luego de Lulú (2014), actor que interpreta a un malogrado jockey que renuncia a las mieles del triunfo para abandonarse a una errancia de desvíos y mutaciones impredecibles repleta de excesos, gags y “caídas del caballo”.
Un elenco formidable compuesto, entre otros, por Úrsula Corberó, Daniel Giménez Cacho y el recientemente fallecido Daniel Fanego le da el toque de gracia al largometraje, que en su abordaje crudo de la paternidad y la presión por el éxito amerita alguna que otra lectura autobiográfica (en la banda sonora de rock y boleros llega a sonar Palito Ortega). El realizador, que fue padre hace cinco años junto a su expareja Mía Flores Pirán, ha contado varias veces el origen azaroso de El jockey y de su personaje, basado en un vagabundo ruso travestido al que Ortega siguió fascinado por la calle y al que en una visita posterior al hipódromo imaginó como un jockey que había cambiado de identidad. Por supuesto, las carreras de caballos son solo una excusa simbólica para poner en juego una trama imposible, un delirio que así y todo trota en ligas mainstream.
“La información llega sola”, asume el director en una habitación vacía del hotel, vestido de pulóver bordó y pantalones negros. De fondo, su actual novia –Sofía Filgueira, que tiene una pequeña participación en El jockey– revisa su celular. “Un amigo me llevó al hipódromo, tenía esta idea del vagabundo y uní las dos cosas, pero no estoy en condiciones de hablar del turf ni de los jockeys. Cuando conocí el turf, me di cuenta de que era tan fascinante como inabordable, que iba a necesitar un documental de 10 horas mínimo para poder contar ese universo increíble. Yo no tengo ese tiempo, no tengo ese conocimiento, solo puedo hablar de mi experiencia, y lo que decidí fue usar ese escenario porque es tan potente y único que sabía que iba a imantarnos hacia una esencia. Pero la esencia no es el deporte, el filme no intenta contar la vida de un jockey”, subraya Ortega.
–¿Cómo concebiste al jockey Remo Manfredini? ¿Qué supone su deriva?
–El personaje de Nahuel es casi toda la película, pero más que ser el centro, lo que El jockey propone es que el centro sea un espacio vacío, no habitado por un personaje, sino que al ser un espacio vacío lo puedan habitar distintos personajes. Es lo que pasa cuando uno se golpea la cabeza o, mejor dicho, cuando uno se cae del caballo. Ahí se abre un lugar para otros, los otros nosotros que pueden vivir la experiencia. El espacio vacío es lo importante, donde pueden florecer distintas personalidades, emociones. En ese espacio vacío, hay un bebé, un hombre, un vagabundo, un drogadicto, un jockey, hay infinitas maneras de transitar ese escenario.
–¿Cómo armaste el elenco? ¿Qué sugieren los actores tras los personajes?
–La verdad es que se arma solo, uno no piensa en los actores, los actores aparecen. En cuanto empezó a bajar la película, solo lo vi a Nahuel, y la vida me llevó a conocer a Úrsula, que naturalmente ocupó su rol. Y mi relación con Fanego ya venía de antes, tanto es así que a su personaje le puse Fanego. Digamos que son los vínculos los que arman la película, a la película te la dictan sus vínculos, y vos la escribís, pero no es un producto de tu inventiva. Vos vas tomando nota de las circunstancias y tratás de ver si la antena está bajando información de manera pura o la está interpretando. Cuando sentís que la información está bajando de manera no conceptual, sin bajar línea, sin un mensaje específico, más bien como una manifestación, ahí entonces dejás las ideas. Siempre es importante que las ideas no sean tuyas. Cuando son tuyas, no tienen fuerza, tienen que ser de todos, tienen que estar dando vueltas y uno las baja al papel.
–¿Cómo ves “El jockey” con relación a “El ángel”? ¿Hay una continuidad?
–El ángel se relaciona más con mi experiencia adolescente; y esta película, con la adulta, si bien las ideas siempre son de la infancia. Revisitadas por el adulto, esas ideas se resignifican, y uno puede reconquistar su inocencia y trabajar con ella. Cuando sos un niño, si te dan un papel y unos colores, aparecen cosas alucinantes. Si podés volver a tu infancia con la noción de hacer contacto con los seres que amás o con el espectador, eso se vuelve un trabajo muy visceral. De alguna manera, para hacer una película, uno hace uso de todo eso que pasó sin querer. Sin embargo, siempre está el tema de cómo vive uno la puesta en escena del mundo. El mundo no se conforma con existir, sino que es una representación estética. Existen las calles, los cuerpos, las casas, podría haber una existencia sin fenómeno estético, pero la vida está empecinada en ser representada por gente, por objetos, por sonidos, se manifiesta de esa manera. Entonces volvemos al cine, que toma esos elementos y los usa para pelear, porque con esta película estamos dando pelea. Es una pelea contra la muerte cerebral.
Sellado al vacío
–¿Qué dice la transformación travestida de Remo, que evoca el giro fantástico de “Orlando”, de Virginia Woolf, antes que un cambio de género?
–Dudo de las personalidades selladas al vacío, esas que dicen “yo soy esto”. La vida nos pone en unos aprietos en los que uno tiene que pelar un personaje y una personalidad para defenderse y que no nos pasen por arriba. Uno pasa así a ser el muñeco del miedo, que armó el miedo para afrontar la vida, y eso me parece que vale la pena cuestionarlo. Porque si uno es alguien, seguro que ese no es. Nos pusieron en ese aprieto y uno tiene que sacar un muñeco de la galera. Si me dicen “Luis”, yo me doy vuelta porque es parte del código, es la espada que tenemos, pero Fanego no es Fanego solamente. Es una experiencia inabordable y la película es inabordable, porque tiene la ambición de comunicar eso, que Fanego no es Fanego nada más. El culto a la personalidad existe desde hace mucho, pero antes uno no hacía un cuadro y lo firmaba abajo. Los artistas no existían, existía el cuadro. A partir del culto a la personalidad, el personaje empieza a tener mayor relevancia que el cuadro. Y lo importante es el cuadro, lo importante es la película, lo importante es la vida. No quienes somos.
–¿Cómo ves la selección para el Oscar? ¿Cómo te llevás con la industria?
–Todo lo que llame la atención y le dé la posibilidad de ser vista a la película es bienvenido. Yo no hago películas solo, las he hecho, pero ni siquiera, porque estaban los actores. Hoy por hoy, hago películas en equipo, y El jockey existe gracias a este equipo. Y llegó a esta instancia gracias a Disney, que la agarró y tuvo el corazón y la valentía de darle una visibilidad. No sé si es tanto una contradicción o un problema, en todo caso es algo ajeno a mí. Ya estoy escribiendo mi próxima película y nunca estoy pensando qué va a pasar con lo que voy a hacer. Está fuera de mi alcance si le va bien o mal, si es considerada un thriller o una comedia o un drama, o si hace plata o no hace plata. Lo más divertido de todo es hacerla, y después es importante la gente que te acompaña y que pone la película en un escenario. Si fuera por mí, el filme no llegaría a ningún lado.
Para ver “El jockey”
Argentina, España, Estados Unidos, México y Dinamarca, 2024. Guion: Fabian Casas, Luis Ortega y Rodolfo Palacios. Dirección: Luis Ortega. Con: Nahuel Pérez Biscayart, Úrsula Corberó y Daniel Giménez Cacho. Duración: 96 minutos. Calificación: Apta para mayores de 13 años, con reservas. En cines.
