La icónica banda estadounidense The Smashing Pumpkins, comandada por Billy Corgan llegó a Buenos Aires en medio de su gira titulada The World Is a Vampire. Lo hizo en un show demoledor a casi diez años de su última visita al país (en 2015 y en el marco del Lollapalooza Argentina).
Esta vez el Movistar Arena fue solo para ellos y sus seguidores, quienes llegaron desde diferentes puntos del país para ver a este grupo que lleva más de 35 años en las rutas. Esta fue la razón por la que se vieron al menos dos generaciones de fanáticos (padres e hijos) entre el campo y la platea.
Y ni hablar de los alrededores del estadio, repletos de cuarentones (y algo más también) que hicieron la previa y también celebraron a la salida este encuentro cercano que no se ha repetido tantas veces. Fue la cuarta visita de los Pumpkins y una de las más especiales: acompañaron a Corgan el guitarrista James Iha y el baterista Jimmy Chamberlin, otros dos miembros originales muy queridos por el público.
Por supuesto que la lista de temas de los oriundos de Chicago tuvo sus grandes hits como The Everlasting Gaze (en el comienzo, sin respiro), Today, 1979, Tonight, Tonight o Zero. Pero además se destacaron varios momentos (algunos íntimos, otros abrasivos) que hicieron que el recital sea inolvidable para las casi 15 mil personas que vibraron con el concierto en el estadio cerrado de Villa Crespo.
Los momentos más destacados del show de The Smashing Pumpkins en Buenos Aires
A continuación, un repaso por algunos de los hitos centrales que tuvo el show de la banda de Chicago en el Movistar Arena:
Clásicos y no tanto. Si el inicio del show fue “al hueso” con la canción que abre el álbum Machina (2000), pronto quedó claro que el repertorio de la noche (prácticamente calcado al de su show en San Pablo, Brasil) iba a tener de todo. Durante dos horas, y con apenas un breve descanso antes del cierre definitivo, la banda buceó por hits y otras joyas de su primera etapa (Jellybelly, Mayonaise, Perfect), se dio el gusto de versionar a otros artistas y también mostró algunos fragmentos de sus dos últimos discos, Atum: A Rock Opera in Three Acts (2023) y el reciente Aghori Mhori Mei, lanzado en agosto.
Ava Adore. Los primeros acordes fueron unívocos y ya todos sabían lo que vendría. Se apagaron las luces y Corgan comenzó a deslizarse por el escenario, primero hacia su derecha, sigiloso, y luego hacia la izquierda. Todos los que se encontraban en las primeras filas lo vieron en detalle. Ataviado con su clásica túnica negra y con ademanes que recordaban al genial videoclip del disco Adore (1998), el cantante (que en esta ocasión no se colgó ninguna guitarra) completó su performance ante un público agradecido de verlo en vivo y en directo.
Íntimo e interactivo con el público. Luego de Ava Adore y justo antes de que explote el estadio con Bullet With Butterfly Wings, Corgan tomó su guitarra acústica e interpretó, junto a la banda, una de las canciones más esperadas de la noche, la melancólica Disarm (”I used to be a little boy...”). Luego, quedó solo y entregó Landslide (versión de Fleetwood Mac, grabada por los Pumpkins como lado B de Disarm, precisamente) y una blusera Shine On, Harvest Moon (original de Nora Bayes y Jack Norworth y de comienzos del siglo 20). El momento fue especial para que el público conectara directamente con el guitarrista, que casualmente dijo hace muy poco en una entrevista con Guitar World que no se sentía valorado como el instrumentista que es. En Buenos Aires, tanto en formato acústico como eléctrico, se llevó todos los aplausos y un “olé, olé, William, William” arengado por él mismo luego de aclarar que su nombre era ese y no Billy.
Un maestro, en la batería. Y hablando de instrumentista, el baterista Jimmy Chamberlin, dio cátedra sobre cómo interpretar un instrumento sin perder la clase. Luego de la canción Doomsday Clock, un impertérrito Chamberlin cerró Zoo Station (canción original de U2) con un solo de batería indomable. Como si fuera un pulpo, no dejó ni un platillo ni un parche por sacudir. Su destreza y su tranquilidad conmovieron y emocionaron a más de uno en canciones muy difíciles de replicar para cualquier otro baterista, tales como Jellybelly, Cherub Rock o la mencionada The Everlasting Gaze. Sobre el cierre, en los saludos finales, el músico fue uno de los más ovacionados por el público.
Iha, de vuelta. Al igual que en el debut de The Smashing Pumpkins en Argentina –en 1998- contó con tres de sus cuatros miembros originales. En este caso, además del infaltable Corgan, se sumaron el baterista Jimmy Chamberlin y el guitarrista James Iha (estuvo en el debut de la banda en país, al que volvió en 2013 como miembro ocasional de A Perfect Circle). Las ovaciones para cada uno de ellos se hicieron sentir y el sabor a banda histórica casi completa, también. El guitarrista, que volvió a la banda en 2018, se destacó además en su rol de presentador de sus compañeros y también hacia el final, con la voz principal de la versión de David Bowie que cerró el show, Ziggy Stardust.
Guitarrista y bajista, a la orden. Además de la tríada original, el grupo se completó con el bajistsa Jack Bates (digno hijo de Peter Hook) y la pirotécnica guitarrista Kiki Wong. Ambos cumplieron sus roles sabiendo que son músicos de apoyo de los verdaderos protagonistas, pero también aportaron sus pinceladas particulares. El carisma de Wong y la solvencia de Bates se comprobaron a lo largo de las dos horas de show, sobre todo en los momentos en los que, junto a Iha, Corgan y Chamberlin, se fusionaron en una mezcla de distorsión contenida y cortada y un groove indiscutiblemente rockero/metalero.
La rareza. Una de las canciones más impactantes de la noche fue el mix entre Gossamer (un outtake del disco Zeitgeist) y The Spaniards, proveniente de segundo disco solista de Corgan. La versión, en la que las tres guitarras y el bajo se amparan en la historia del heavy metal de raíz británica, fue la más larga de la noche y supuso un momento de contemplación y evidencia incontrastable respecto del legado que sostiene el grupo a 36 años de sus comienzos. El solo final de Corgan condensó su despliegue distorsivo y su riqueza expresiva. ¿Lo mejor? La complicidad entre los cinco integrantes de la banda, y en especial de los tres pilares de la formación original.
