Cuando llegó el correo electrónico del Museo Metropolitano de Arte, Jacques Agbobly no podía creerlo al principio.
El diseñador de moda, cuyo estudio se encuentra en Brooklyn, sólo llevaba cinco años en el negocio. Ahora, uno de los museos más importantes del mundo estaba solicitando dos de sus diseños para ser exhibidos en “Superfine: Tailoring Black Style” (Superfino: Confeccionando el estilo negro), la exposición presentada por la estelar Met Gala.
“Estaba emocionadísimo”, expresó Agbobly en una entrevista. “Tuve que verificar que fuera un correo oficial. Y luego vino la emoción, y pensé... ¿puedo contarle a alguien esto?”
Agbobly creció en Togo, observando a costureras y sastres crear hermosas prendas en parte de la casa familiar que alquilaban. Más tarde, estudiando moda en Nueva York, el aspirante a diseñador veía la alfombra de la Met Gala desde lejos y soñaba con algún día ser parte de ella de alguna manera.
“Superfine: Tailoring Black Style” es la primera exposición del Instituto del Vestido que se centra exclusivamente en diseñadores negros, y la primera en más de 20 años dedicada a la moda masculina. A diferencia de exposiciones pasadas que destacaban el trabajo de diseñadores muy famosos como Karl Lagerfeld o Charles James, esta exhibición incluye a varios diseñadores emergentes como Agbobly.
“El rango es fenomenal”, dice la curadora invitada Monica L. Miller, profesora de Barnard College cuyo libro, “Slaves to Fashion: Black Dandyism and the Styling of Black Diasporic Identity” (Esclavos de la moda: el dandismo negro y el estilo de la identidad de la diáspora negra), sirvió de base para la exposición.
“Es muy emocionante mostrar los diseños de estos jóvenes y diseñadores emergentes”, comenta Miller, quien hizo un recorrido con The Associated Press a través de la exposición durante el fin de semana previo a su inauguración en la Met Gala del lunes, “y ver cómo han estado pensando en la representación negra a lo largo del tiempo y la geografía”.
Miller también habló sobre la exposición en una vista previa para la prensa el lunes por la mañana, en la que el director general del Met, Max Hollein, anunció que la gala había recaudado un récord de 31 millones de dólares, la primera vez que la recaudación de fondos para el Instituto del Vestido del museo supera los 30 millones de dólares, por encima de la recaudación del año pasado de más de 26 millones de dólares.
También estuvo presente el actor y copresidente de la gala Colman Domingo, quien habló con emoción sobre los miembros de su familia —un padrastro, un padre, un hermano— que le introdujeron al estilo. Resplandeciente en un traje púrpura del diseñador Ozwald Boateng, compartió una cita favorita del director y dramaturgo George C. Wolfe: “Dios creó a los negros, y los negros crearon el estilo”.
La exposición cubre el estilo negro a lo largo de varios siglos, pero el tema unificador es el dandismo, y cómo los diseñadores han expresado ese conjunto de rasgos distintivos a través de la historia.
Para Agbobly, el dandismo es “acerca de ocupar espacio. Como diseñador negro, como persona queer, mucho de esto está enraizado en que la gente nos decía quiénes debíamos ser o cómo debíamos actuar... el dandismo realmente va en contra de eso. Se trata de presentarse y lucir lo mejor de uno mismo y ocupar espacio y anunciar que estás aquí”.
La exposición, que abre al público el 10 de mayo, comienza con su propia definición: alguien que “estudia por encima de todo para vestirse elegantemente y a la moda”.
Miller la ha organizado en 12 secciones conceptuales que definen el estilo dandi: Propiedad, presencia, distinción, disfraz, libertad, campeón, distinción, jook (casa de placer para negros), herencia, belleza, frescura y cosmopolitismo.
La sección de “propiedad” comienza con dos abrigos de librea usados por personas esclavizadas.
Uno de ellos, de Maryland, parece lujoso y elaborado, en terciopelo púrpura adornado con hilos metálicos dorados. Las prendas estaban destinadas a mostrar la riqueza de sus dueños. En otras palabras, dice Miller, los propios esclavos eran objetos de consumo conspicuo.
El otro es un abrigo de librea de paño marrón, probablemente fabricado por Brooks Brothers y usado por un niño o adolescente esclavizado en Luisiana justo antes de la Guerra Civil.
En otro lugar, hay un conjunto contemporáneo y brillante de la diseñadora británica Grace Wales Bonner, en terciopelo de seda triturada y bordado con cristales y las conchas de cauri históricamente utilizadas como moneda en África.
También hay un llamado “traje de billete de dólar” de la marca 3.Paradis, la chaqueta con un billete de un dólar laminado cosido al bolsillo del pecho, destinado a sugerir la ausencia de riqueza.
La sección de “disfraz” incluye una colección de anuncios de periódicos del siglo XIX con recompensas por capturar a personas esclavizadas fugitivas.
Los anuncios, señala Miller, a menudo describían a alguien que era “particularmente aficionado al vestido” o señalaban que la persona había robado grandes guardarropas. La razón era doble: la ropa elegante hacía posible que una persona esclavizada ocultara su identidad. Pero también, cuando finalmente llegaban a la libertad, podían vender la ropa para ayudar a financiar sus nuevas vidas, dice Miller.
“Así que vestirse por encima de su posición a veces era una cuestión de vida o muerte”, dice la curadora, “y también permitía a las personas hacer la transición de ser esclavizadas a ser libres”.
La parte contemporánea de esta sección incluye llamativas chaquetas bordadas de la marca Off-White que juegan deliberadamente con los roles de género, como mostrar una chaqueta ostensiblemente “masculina” en un maniquí femenino.
Deteniéndose en un conjunto de retratos de principios del siglo XIX, mientras el abolicionismo ocurría en el Norte, Miller explica que los sujetos son hombres negros que tuvieron éxito, lo suficientemente bien como para encargar o posar para retratos, y vestidos “con las modas más finas del día”. Como William Whipper, un abolicionista y rico comerciante de madera que también fundó una sociedad literaria.
Representan los comienzos de una clase media y media alta negra en Estados Unidos, dice Miller. Pero señala un grupo de caricaturas racistas en una vitrina justo enfrente de los retratos.
“Casi tan pronto como pueden hacer esto”, dice, refiriéndose a los retratos, “son estereotipados y degradados”.
W.E.B. Du Bois, señala Miller, no solo fue un activista por los derechos civiles, sino también uno de los hombres mejor vestidos de la América de principios de siglo. Viajó extensamente al extranjero, lo que significaba que necesitaba “ropa acorde a su estatus como representante de la América negra ante el mundo”.
Los objetos en la exhibición incluyen recibos de sastres en Londres y pedidos de trajes de Brooks Brothers o su sastre en Harlem. También hay un recibo de lavandería de 1933 para la limpieza de camisas, cuellos y pañuelos.
También destacado en esta sección: Frederick Douglass, el abolicionista, escritor y estadista y también “el hombre más fotografiado del siglo XIX”.
La muestra incluye su frac de lana cepillada, así como una camisa bordada con un monograma “D”, un sombrero de copa, un bastón y un par de gafas de sol.
Uno de los artículos favoritos de Miller en la sección de herencia es el conjunto de colores brillantes de Agbobly basado en los tonos de las bolsas que los migrantes de África Occidental usaban para transportar sus pertenencias.
También se exhibe el traje de mezclilla de Agbobly adornado con cristales y cuentas. Es un tributo no solo a los salones de trenzado de cabello donde el diseñador pasaba tiempo de niño, sino también a los pendientes que su abuela o tías usaban cuando iban a la iglesia.
Hablando de familia, Agbobly dice que finalmente sí les contó —y a todos— sobre el momento en el que tuvo que "pellizcarse” para saber que era real.
“Todos lo saben”, dice el diseñador. “Sigo gritando. Si puedo gritar en la cima de una colina, lo haré”.
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