El director David Piccotto recibió una llamada del Teatro Nacional Cervantes. Rubén Szuchmacher, curador del área teatro, lo convocaba para hacer una obra que el teatro produciría. El resultado es la obra Los desentrañadores de enigmas incluida en el programa TC Produce en el País, que se estrena mañana en el Teatro Griego.
“Pensé en cosas que quise hacer en algún momento”, inicia David la charla, y ahí entra el primo de David en la historia, Guillermo de Santis, especialista en teatro griego que hace mucho tiempo le sugirió los dramas satíricos, un mundo interesante y desconocido para David, que les llevó horas de charla y mate cuando todavía David Piccotto no había iniciado su actividad como director. “Entonces yo solamente era un payaso”, dice David. Cuando desde el Cervantes recibe el desafío para hacer algo, volvieron a su memoria aquellas charlas con el primo.
Los desentrañadores de enigmas es la primera obra de De Santis, una apuesta que tiene varias particularidades: el espacio elegido, los textos y la dinámica que imprimió el contexto poético a los cuatro actores elegidos.
“Teatro griego, drama satírico” fue el nombre del proyecto. ¿Por qué le pusieron de título Los desentrañadores de enigmas a la obra?
“Existen varios aspectos. Lo primero porque todo drama satírico tiene un coro y el título señala el rol que tiene el coro en la obra. Es muy diferente a la tragedia y a la comedia. Entonces estos sátiros tienen que ‘desentrañar’ algunos enigmas. Me encanta el título porque es lo más satírico que quedó”, dice Guillermo, autor y una especie de coach que introdujo al grupo en el mundo clásico y sus sutilezas.
El coro de sátiros, después de un naufragio cae al Teatro Griego del parque Sarmiento. Es un argumento típico del drama satírico clásico, es decir, que quede medio difuso por qué el naufragio.
Los enigmas a desentrañar son: dónde están, aspectos de la idiosincrasia cordobesa que se focalizaron en el habla, y luego, cuando aparece Dionisio, que no puede faltar porque es el dios de los sátiros, él tiene que desentrañar y saber si esta es la ciudad, el territorio donde según un antiguo oráculo de Apolo, que lo odia, le ha predicho que va a echar definitivamente raíces y dejará de vagar.
“Un mundo de palabras”, señala Piccotto. “Ha sido muy importante para mí que trabajo siempre el humor y, más allá del clown, busco el efecto rápido. Acá, he aprendido del drama satírico que hay que esperar, que primero aparece la palabra, que el humor tiene que ver con situaciones. Es decir, no hay que esperar que el actor haga un gag, un guiño al público. Acá hay que escuchar el texto. Los actores también están contentos de hacer una obra de un género que tiene siglos”.
Puro verso
El drama satírico clásico estaba escrito en verso, con un esquema métrico. Estructuralmente es como una tragedia pero tiene otra función.
De Santis entregó al director el primer borrador en el que los versos eran de 13 sílabas. “Una porquería de verso”, dice, “pero servía para que cada actor tuviera una intervención de la misma duración temporal. Porque tiene que estar muy calibrado. Después se fue cambiando. Hay tres cantos corales y el último es un soneto bastante mal construido, con rimas ridículas. La obra tiene, al oído, una cadencia permanente, incluso en la parte dialogada. Uno se da cuenta de que no es un ritmo normal de palabra, y a eso se suma el tipo de lenguaje. Los personajes hablan permanentemente en un lenguaje elevado pero, al mismo tiempo, los sátiros no son héroes trágicos, entonces tienen deslices lingüísticos. Intentan ser y nunca llegan. Eso a los griegos les causaba gracia”.
“En eso, hay líneas que se cruzan con el payaso”, acota David. Guillermo señala que no es que el espectador se tire al suelo de risa. “Es una hilaridad, la gracia que produce el sátiro cuando dice que sabe de leyes y no sabe nada. No hace falta el chiste”.
Piccotto apuesta a la sonrisa. “Para mí como director, y para los chicos como actores, es un aprendizaje que el humor no esté en el efecto o el aplauso”.
El lugar ideal
El espacio era necesario para comprender el texto. Cuando se abrió el espacio del Teatro Griego, apareció el drama satírico. “El Teatro Griego es hermoso. Si uno se aburre, puede ver los árboles, las columnas, sentir paz. Es como ir a las sierras un rato”, señala Piccotto.
Tampoco podían faltar las máscaras. Las diseñó Ariel Merlo, al igual que el vestuario, y las confeccionó Kirka Marull. En tanto Juan Carlos Nieva realizó el vestuario. “Fue una linda sorpresa. Entendió conceptualmente la obra, por ejemplo, la figura estilizada de Dionisio”, dice Guillermo.
Maximiliano Gallo y Rodrigo Gagliardino son los sátiros; Nelson Balmaceda es Sileno, el sátiro anciano, y Marcos Cáceres, Dionisio que llega a desentrañar su propio enigma.
En cuanto a la representación de un texto profuso, Guillermo señala que en el teatro griego no hay gesto sin palabra: los actores dicen y acompañan la palabra con el gesto.
Los primos
Guillermo de Santis es doctor en Letras Clásicas, egresado de la Facultad de Filosofía y Humanidades (UNC). Actualmente es profesor titular de Historia de la Literatura Griega y profesor adjunto de Lengua y Cultura Latinas II. Es investigador independiente de Conicet.
Su principal campo de trabajo es el teatro griego, especialmente la tragedia y el drama satírico. Estudia, además, teoría de los géneros literarios en la antigüedad y épica latina virgiliana.
David Piccotto, actor, payaso y director se codea con los clásicos del teatro desde hace tiempo. Ha dirigido puestas como Payasos en familia, versión de En familia de Florencio Sánchez; Eran cinco hermanos y ella no era muy santa de Miguel Iriarte; Las tres hermanas de Anton Chéjov; Las de Naides, versión de Las de Barranco de Gregorio de Laferrére. Muchas de ellas fueron premiadas y salieron de gira por el país y el exterior.
Los mitos de acá y los de allá
El drama satírico se programaba en la Grecia clásica como cuarta representación, después de tres tragedias. Durante tres días había tres programas distintos. El espectador veía durante cuatro o cinco horas las tragedias, emociones fuertes y tensiones duras. Por último, veían una obra que los griegos llamaban de ‘distensión’, que no es la catarsis.
“Como nosotros no tenemos una tragedia antes, tuvimos que incorporar la tragedia, es decir, el elemento de tensión en la misma obra. Fue difícil pero se logró”, comenta Guillermo y luego explica: “Una cosa es el mito que tenemos cristalizado en un nombre, Edipo, por ejemplo. El nombre no es el mito. El mito es un relato. ¿Cómo lo sustituimos en la escena moderna? A través de un imaginario, por qué somos como somos, por qué el cordobés tiene refranes para todo, por qué el apodo. Trabajamos también el habla, hasta la tonada. ¿Qué hace un grupo de personas que se comunica de esa manera? Si llega un sátiro de afuera y escucha ‘está contento como perro con dos colas’, por qué se usa esa expresión. Jugamos con eso”. La obra también se propone un ejercicio de reflexión destinado al espectador cordobés.
"Uno cree que tragedias y comedias tienen un lenguaje muy elevado para nosotros, pero el teatro en Grecia era comunitario. Lo cordobés aparece en ese sentido. ¿Cómo atraigo al espectador cordobés?", señala el director que tiene una larga trayectoria en cuanto al abordaje de textos que parecían imposibles para el espectador de hoy, o que exigía salir airoso frente al prejuicio con respecto, por ejemplo, a Anton Chéjov (Las tres hermanas) o Laferrére (Las de Naides).
