Una lluvia fina pero persistente y sus barrosas consecuencias opacaron el cierre del Primavera Sound Buenos Aires, obligando a la organización a suspender el evento cerca de las 22 del domingo: el saldo triste fue la cancelación de Beach House (junto a Japanese Breakfast, Boy Harsher y Terno Rei), punto esencial de la grilla e ícono sofisticado de la curaduría barcelonesa.
Ya el programa había sido alterado en la previa cuando los horarios de los seis escenarios de Costanera Sur fueron adelantados en virtud del pronóstico, pero así y todo el clima dio su estocada. Lo que no impidió el plato fuerte, el recital que ofreció Arctic Monkeys justo cuando empezaba a llover pasadas las 19.
De frac oscuro y voz impecable, Alex Turner pivotó junto a los suyos entre el rock fraseado de los inicios y el crooner de los últimos discos, dejando en claro que es esta faceta sobria la que hoy lo representa: el británico detuvo varias veces el concierto cada vez que emprendió sus hitos enérgicos, preocupado por la agitación de la gente en las primeras filas del Flow.
“Cálmense, tranquilícense. Si ven a alguien que se cayó ayúdenlo a levantarse”, dijo Turner antes de declarar “stop” y desaparecer durante unos cinco minutos que se percibieron eternos: muchos temieron que los Arctic Monkeys no volvieran. Pero el espectáculo logró continuar distendido y sin cortes, con paradas de elegancia brumosa y electricidad puntillosa como Why’d you only call me when you’re high?, Four out of five o Do I wanna know?, cuyo riff de radio AM hizo levantar teléfonos en masa cual episodio de Black mirror.
Es significativo que la vida del grupo de Sheffield equivalga a la del Primavera Sound, un festival que nació en el cambio de milenio con un pie en la tradición y otro en el dial de las nuevas generaciones. La banda de Turner sigue marcando el pulso con cada nuevo disco (su último, The car, salió hace menos de un mes) pero su horizonte es un pasado recóndito de pubs y callejones. Esa renovación clasicista es su fuerte, así como la elasticidad que demostraron una vez más en el escenario para moverse entre la intimidad y la épica de estadio.
A Lorde le tocó la peor parte, la de ser la aglutinadora de un público fiel mientras tropas enteras de gente empapada desertaba del evento. “Este clima está loco, pero en esta estamos juntos”, aseveró. Hada movediza entre una puesta de figuras geométricas que bien podría haber diseñado Xul Solar, la neozelandesa sacó a relucir su habitual carisma ya sea parada, sentada en el piso o apoyada sobre una larga y elevada escalera.
Desde esa sala de juegos de niña eterna Lorde cantó sobre las glorias y tristezas de convertirse en mujer, conflicto iniciático que invocó en Ribs. “Compuse esta canción cuando era adolescente y ahora tengo veintiséis”, expresó, como si ya hubiera vivido una vida entera. Sus fans aprovecharon para cantarle el cumpleaños, que fue hace una semana; un regalo merecido para una artista cautivante que le peleó a la tormenta con majestuosidad.
Distinta era la cuestión en plena tarde, cuando los rompevientos aún no eran prioridad. En esa atmósfera de recibimiento tocó la élfica Phoebe Bridgers, que desparramó un bálsamo de composiciones delicadas con ocasionales trompetas y acompañantes vestidos de esqueletos. De voz aterciopelada y modales suaves, la cantante estadounidense se entregó literalmente a la audiencia en un rapto de desmesura antes de retirarse.
En contraste áspero y hierático, el show de Interpol hizo perfecto juego con el cielo encapotado. De atuendos y anteojos inevitablemente negros, la tropa liderada por Paul Banks repasó sus discos de desencanto mórbido y rabia rítmica. Untitled, Evil, Obstacle 1, Passenger, Rest my chemistry, The new, PDA y Slow hands fueron de la partida. A pesar de tanta desdicha gutural, Interpol gozó de los últimos rayos de sol dominicales.
Sábado apacible
El buen gusto, la conciliación entre masividad y capricho y el termómetro de época caracterizan desde sus cimientos al Primavera Sound, el más europeo de los festivales europeos. Con esa voluntad de quijotada indie solidificada en franquicia el festival español desembarcó en Sudamérica y en la Argentina este año, trasplantando sus escenarios a la periférica Costanera Sur de Buenos Aires como una brisa opcional frente al calórico Lollapalooza.
Y fue una digna continuidad del legado la que se instaló el fin de semana, luego de dos fechas espaciadas que habían tenido a Björk, Jack White y Pixies como estrellas de cartel más una variedad de shows desperdigados por la ciudad porteña. En su zapping de caminata peregrina destellaron el sábado tags esenciales como el rap (Travis Scott), el pop (Charli XCX) o la electrónica (Hernán Cattaneo), todos con nutrido aforo.
Pero si hay un rasgo que caracteriza al Primavera Sound es la mutabilidad jerárquica en su grilla, que permite atestiguar leyendas o hallazgos en horarios disímiles. Así era posible ver ese sábado en plena siesta y en el escenario Primavera a Beak, el proyecto experimental del ex Portishead Geoff Barrow.
En efecto algo del intrépido último disco de ese emblema del trip hop se replica en este trío tan desenfadado como retorcido, abocado a deslizar bases kraut junto a destellos sónicos y cánticos del inframundo a lo Black Devil Disco Club. La cabeza de duende maléfico que despuntaba en un platillo de la batería de Barrow evocaba la banda sonora que el británico compuso para el filme Men, y así un imaginario mayor cobraba expresión en una jornada exenta de percances climáticos.
Otros dos pesos medianos de inigualable espíritu Primavera Sound eran Jessie Ware y José González, que se alternaron en los escenarios enfrentados Flow y Samsung antes que la luz se escondiera detrás de los contornos de usinas industriales y torres de lujo.
La cantante inglesa era una cita obligada tras el formidable What´s your pleasure (2020) que desplazó su R&B a dimensiones pisteras. Solo Róisín Murphy se eleva hacia esas esferas de glamour disecado, y Ware hizo valer su trono bolichero con bailarines, coristas y risas al micrófono en hits como Ohh La La.
En divergente extremo meditativo se plantó solo con su guitarra José González, que le rindió tributo a la escenografía bucólica con composiciones de folk atemporal. Silvio Rodríguez y Iron & Wine se camuflan en la voz dulcemente aguda del sueco-argentino, que casualmente marcó sus momentos más cautivantes con versiones: de Teardrop (Massive Attack) y Hearbeats (The Knife). Al principio su bajada de tempo fue desconcertante, pero el público pronto se entregó a la elegía meditativa jugando a regalarle caritas y besos a la gran pantalla.
En verdad lo que se estaba cociendo era la expectativa por la presentación de Mitski, que resonaba en nombre pero no en espíritu con la desfachatada exquisitez de Father John Misty y su agrupación, que unos cuantos metros más allá declaraba: “La tentación en un lugar como este es tocar hit tras hit, pero yo no tengo hits. Y si no me muestro como soy me siento raro y fuera de lugar”.
El músico resumía sin embargo la poética de Mitski, aparecida en blanco prístino como un ángel emo inspirador de devoción auténtica entre tribus tecnológicas para las que Kate Bush no es más que un busto de museo. Holograma de animé, la japonesa-estadounidense conjuga amor y dolor, cuerpo y concepto, laceración y éxtasis con llamativa sencillez cancionera.
Mitski escenificó lo que se siente ser patito feo antes que la popular Charli XCX sacara a relucir su narcisismo hedonista y explícito, arquetipos de un pop que no para de invocar viejos dioses en su reciclaje digital: Primavera Sound suscribe a esa memoria analógica con presencias como Björk y Pixies, pero también desde la materia de un suelo embarrado que sigue ensuciando pantalones.
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